Контрабас и бас-гитара - особенности инструментовки

Привет))) 

Поскольку второе высшее образование в России получить не так-то просто (прежде всего в материальном плане), композиции я учусь самостоятельно. Этому очень помогает работа в оркестре - видишь музыкальную ткань, можно сказать, изнутри. Помимо этого, внимательно слушаю очень много музыки, отмечаю для себя приемы инструментовки и развития музыкальных тем и форм. Да и вообще, на дворе двадцать первый век - если есть мозги, и интернет под рукой, то научиться можно чему угодно самостоятельно. 

Иногда на работе мы играем произведения, в которых, в качестве басов присутствуют и контрабасы и бас-гитара. Об этом и порассуждаю сегодня. 

Контрабас. Один из самых больших оркестровых (да и вообще музыкальных) инструментов. В симфоническом оркестре контрабас отвечает за самые низкие ноты, основу, фундамент звука. Если он еще и пятиструнный (пятая струна добавляет еще несколько нот снизу), то низкие частоты становятся воистину НИЗКИМИ. Ну и в плане диапазона пятиструнник родственен контрафаготу. 

Разумеется, контрабас можно увидеть не только в симфоническом оркестре. Про использование контрабаса в джазе тоже говорить не буду - банально, и все итак это знают. Но вот если говорить про всякие кабаре-банды, и даже ска-панк группы - там контрабас смотрится даже несколько уникально. Иногда даже у некоторых "небанальных" рок-групп можно увидеть его на сцене, правда, в последнее время все чаще в виде электро-контрабаса. Да и внешне "большая скрипка" очень эффектно смотрится на любой сцене, а уж про вращение контрабаса вокруг своей оси - излюбленный прием джазистов и ранних рок-н-рольщиков - вообще молчу. Сам люблю так делать))) 

Так вот. Контрабас - инструмент, прежде всего, акустический. Сейчас, конечно, технологии снятия звука с акустических инструментов развились очень сильно. И, разумеется, чем дороже звукосниматель - тем круче через него звучит инструмент. Конечно, многое зависит и от аппаратуры, и звукорежиссера, но это уже слишком глубокие дебри, залазить в которые сейчас не имеет смысла. 

Бас-гитара - инструмент изначально электрический. По строю от контрабаса ничем не отличается, по крайней мере в четырехструнном виде. Пятая струна на бас-гитаре настраивается на полтона ниже, чем на пятиструнном контрабасе (хотя есть произведения-исключения, где пятая струна на контрабасе опускается с до на си). 

Вернемся к изначальной теме. Сейчас подключенная бас-гитара дает куда большую и надежную басовую основу оркестру, чем группа контрабасов. И, разумеется, многие композиторы и аранжировщики этим пользуются. Но вот проблема - при использовании бас-гитары, в партитуре еще, зачем-то используют и контрабасы. И об этом подробнее. 

Для начала рассмотрим жанры, где оркестр может легко взаимодействовать с электроникой. Выступления рок-групп с симфоническим оркестром отсекаем сразу - это отдельная тема. Мы коснемся именно тех вещей, которые ИЗНАЧАЛЬНО написаны для оркестра с добавлением электронных инструментов и немного поговорим об переложениях и переинструментовках. Касаться академической электронной музыки я тоже не буду - это тема для отдельной статьи. 

Итак - вперед. На ум приходит прежде всего музыка для кино. Вот уж где сейчас раздолье - можно использовать все, что душе угодно. И тут использование контрабаса и бас-гитары одновременно полностью оправдано. Два родственных басовых инструмента дают противоположно разное звучание, разные звуковые эффекты, и обладают индивидуальными особыми приемами и фишками. Так что, в напряженном, динамическом отрывке можно легко различить бас-гитару с ритмичным рифом, в то время как в другом кусочке контрабасы с виолончелями тянут глубокие низкие ноты, усиливая драматизм. Но все это, опять-таки весьма поверхностно. Бас-гитара может очень красиво солировать на верхних ладах, а контрабасы резкой атакой смычка создавать динамичные ритмичные рифы. Все зависит только от воображения и умения композитора. Ну и да, эпичность в саундтреке - это, конечно низкие медные духовые. 

С саундтреками разобрались. Далее - эстрада. Но есть оговорка - именно инструментальные пьесы для оркестра или для солирующих инструментов с оркестром в эстрадном стиле. Про песни опять-таки разговор отдельный, ибо инструментальные пьесы в эстрадном стиле иногда включаются и в академическую учебную программу. 

Вот здесь частенько пишут одинаковую партию для контрабаса и бас-гитары. Что, если честно, бесит. Во всех случаях (кроме симфонического оркестра и камерной академической музыки) эти инструменты равноправны, но обладают кардинально разными приемами звукоизвлечения и спецификой. То есть, то, что удобно играется на контрабасе может быть трудноисполняемым на бас-гитаре, и наоборот.
Здесь я наконец-то рискну и выскажу свои соображения относительно современных композиторов- и исполнителей-академистов. Не раз я сталкивался с таким мнением, что раз человек постиг какие-то знания в сфере академического музыкального образования, значит ему подвластны эстрада, попса и рок. И когда академически обученный человек исполняет попсовую или даже рок композицию с истинно академическим деревянным лицом - это смотрится, да и воспринимается в целом очень нелепо. Если вы думаете, что академистов не учат артистичному исполнению произведений, написанных сотни лет назад, то глубоко ошибаетесь. Учат, еще как. Даже требуют артистизма на сцене, показывания того, что ты переживаешь музыку, которую исполняешь. Просто из провинций очень редко кто уезжает после получения высшего академического музыкального образования. Чаще всего выпускники (а, зачастую, будучи еще студентами) устраиваются на работу в оркестр, который напрочь убивает в людях артистизм или его зачатки. Исключения составляют те музыканты, которые помимо работы в оркестре мотаются по "халтурам" - играют в кабаках, ресторанах и пабах. Там, чтобы заслужить аплодисменты, нужно не только чисто и красиво играть, но и показывать своим видом, как ты тащишься от того, что делаешь (даже если это не так).

Я немного отвлекся. Вернемся к композиторам и эстрадному стилю.
Не помню, говорил я это или нет - я вовсе не против использования группы контрабасов и бас-гитары в одном произведении. И в некоторых случаях эти два инструмента, играя в унисон, могут дать очень интересный звуковой эффект (при условии, что контрабасы играют pizzicato - то есть, щипком - и хорошо подзвучены). Но когда всю пьесу они играют одну и ту же партию - это как-то странно. В большинстве случаев за бас-гитарой контрабасов просто-напросто не слышно, и зритель, смотря на то, как музыканты стараются, а звука от них не идет, думает: "ага, расслабились, делают вид, что играют, вот негодяи...".
Проблема в том, что поговорка "век живи - век учись" не про всех композиторов. И чем они старше становятся, тем больше верят в свое "всемогущество". Поэтому я считаю, что самые адекватные композиторы те, что вышли из оркестрантов (дирижеров, кстати, это тоже касается). Ведь, отработав в оркестре хотя бы несколько лет, понимаешь, что какой бы гениальной не была музыка, сыграть ее идеально получается далеко не всегда. А все потому, что композиторы (ими сейчас все чаще становятся бывшие теоретики, которые раньше были пианистами) зачастую забывают, что у каждого инструмента есть своя специфика. Мол - "А что? За пределы звукового диапазона инструмента не вышел - и замечательно. Сыграют как-нибудь".

Здесь еще один фактор - хотя, кажется, я его уже упоминал, но, все же - для того, чтобы мешать академизм с другими музыкальными стилями, надо эти стили изучить. Да, как бы это не звучало, но в роке есть масса того, что изучить стоит, особенно композиторам, которые заявляют, что "способны на все". Больше всего меня взбесило высказывание Беньямина Юсупова про рок-музыку: "Я сейчас научу вас играть рок. Это очень просто. Тупо четыре четверти, и голову отключите". Это каким высокомерием надо обладать, чтобы так высказываться про стиль, который, скорее всего, нравится некоторым (а, может, и многим) оркестрантам, и в некоторых своих под-стилях очень близко приближается к академической музыке по своей сложности и насыщенности. И в то время, как большинство, поддакивая, мило хихикнули, я наполнился злобой. Так и хотелось выкрикнуть - "Да вы просто не знаете, что такое рок!" - или - "А послушайте Yes, Pink Floyd, Майка Олдфилда, Jehtro Tull и найдите там тупо четыре четверти и отключение головы!!". Ох, как я был зол. Но, в контексте данной статьи, хочется отдать Юсупову должное - он не использовал бас-гитару в тех сочинениях, которые мы исполняли. Хотя, если бы использовал, то они играли бы то же, что и контрабасы... Наверное)))

Теперь несколько слов об инструментовке. Давно уже хочу прочитать книгу Римского-Корсакова про правила инструментовки, но все никак не доберусь. Мои мысли по поводу использования бас-гитары и контрабаса, вы уже, наверное, поняли - можно в одном произведении, но с оговорками. Бессмысленно давать им одну и ту же партию. Лучше отпустить в этом произведении группу контрабасов; поверьте, мы, контрабасисты, давно уже мечтаем о произведении, где нас не было бы в партитуре. Ибо в оркестре струнники пашут больше всех.

Напоследок хочется сказать еще кое-что. Не все, что звучит в оркестровом исполнении, является академической музыкой. В предыдущих записях я уже упоминал, что симфонический оркестр - это гениальное изобретение человечества. И очень радостно, что оркестр очень далек от того, чтобы "кануть в лету". Просто хотелось бы больше логики в инструментовках и оркестровках с использованием электрических и электронных инструментов.

Спасибо за прочтение. Я прошу прощения у тех, кому этот текст мог показаться обидным - я просто высказывал свое мнение и делился личными соображениями. Если кто-то нашел здесь оскорбления, я приношу свои искренние извинения.

До новых встреч))) 

Вк
Splayn
Facebook
Instagram

Немного помечтать...

Всем доброго времени суток!) 

Я постоянно очень много думаю. Обо всем - о музыке (своей и не своей), о всяких разных проектах, которые можно было бы воплотить в жизнь, о планах на грядущее лето, о том, как правильно распределить время, чтобы на все хватило, и ещё о многом другом. В последнее время (да, впрочем, каждую зиму я думаю об этом) много стал размышлять о путешествиях, которые можно было бы осуществить этим летом. Они будут, скорее всего, маленькие, в пределах Воронежской области, но, тем не менее. Это будет реанимация ВелоБлога, новые прогулки на надувной лодке и, возможно, кое-что совершенно новое... 

Но, по порядку. Для начала расскажу о том, как вообще в моей жизни возникли перемещения по водной глади. Дело было в 2007-м году. Тогда мы с бабушкой отправились на архипелаг Валаам. Сначала поездами до Москвы, затем до Санкт-Петербурга, далее на автобусе до города Приозерск, стоящий на берегу Ладожского озера. А вот из Приозерска по Ладоге мы двигались до Валаама на катере на подводных крыльях.

Про сам Валаам как-нибудь обязательно напишу отдельно - хоть и прошло десять с половиной лет, воспоминания все еще свежи. Если путь к нему был быстр, то обратно мы двигались на большом теплоходе по волнующейся Ладоге, рассекая волны. В общем, первый опыт водных прогулок был поистине незабываемым.

А вот прошлым летом мы с моей невестой купили надувную лодку. обычную, прогулочную, двухместную, два с половиной метра в длину. Когда я надул ее дома, она показалась мне очень большой - больше нашего углового дивана. Но, стоило спустить ее на воду и сесть в нее, как началась паника. Хотя, нет, паника - слишком громко сказано. Просто было немного страшновато. Особенно если учесть, что по тому участку реки, где мы испытывали лодку, постоянно проплывали на большой скорости катера и водные мотоциклы. Но, в итоге я приноровился, и все прошло отлично. Маргарита даже порисовала кувшинки, а мне пришлось веслами постоянно ровнять лодку, чтобы ракурс не менялся. Эти прогулки - приключение, которое, лично для меня, не забудется.

Этим летом я задумал нечто абсолютно уникальное. Правда, остается еще очень и очень много сомнений, но мечта есть мечта, а для ее осуществления надо не так уж и много.

Отдыхая на реке Воронеж, я часто засматриваюсь на заросли тростника и думаю: "а сколько он, интересно, в высушенном виде держится на воде?..". Начинать рассказ этой безумной идеи стоило бы начать издалека, и я постараюсь сделать это как можно быстрее и короче.

Был такой норвежский археолог, путешественник и писатель Тур Хейердал. Пару лет назад вышел художественный фильм "Кон-Тики", рассказывающий о его плавании на бальсовом плоту через Тихий океан. Сделал он это для того, чтобы доказать, что в древности люди из Южной Америки и Полинезии на довольно примитивных плавучих средствах могли пересекать океан, вследствие этого обмениваться культурой и торговать. Следующее его путешествие - через Атлантический океан на папирусных лодках "Ра" и "Ра-2". Этим Тур доказал, что древние люди Африки и Южной Америки так же могли контактировать друг с другом. Первая попытка оказалась неудачной - лодка "Ра" затонула из-за упущений в конструкции недалеко от Южной Америки. Спустя год, лодка "Ра-2", построенная с учетом прошлых ошибок, достигла цели. Если интересно - более подробная статья о Туре Хейердале.

Вернемся к моей мечте. Как вы уже, наверное, поняли,  я хочу связать тростниковую лодку. Согласен, утопия. Но, если тщательно все продумать - неделя свободного времени, жить на берегу реки, собирать тростник (очень много тростника), высушивать его, а потом попробовать сделать то, о чем мало кто задумывался в наших краях. Разумеется, в процессе будет много экспериментов - от спускания на воду просто связок тростника и наблюдением за тем, сколько они держатся на воде до постройки небольшого тростникового челна и попытки немного поплавать на нем.

Ну а почему бы и нет? Ведь это будет приключение, может даже одно из самых дерзких и, безусловно, запоминающихся. Так что, летом я попробую это сделать...

Пишите в комментариях, насколько эта идея безумна, и стоит ли вообще тратить на это время.

До встречи)))

Читать книгу "Путешествие на Кон-Тики"

Читать книгу "Ра"

Мой ВК
Facebook
Splayn
Instagram

О симфонии

Привет)))

В этой записи изложу свои соображения по поводу одного из самых масштабных жанров академической музыки - симфонии.

О происхождении слова "симфония" говорить не буду - оно уходит корнями в Античность, и любознательным рекомендую почитать здесь и здесь - я же расскажу собственное понимание этого жанра.

Все-таки, краткую историческую справку надо дать. Начнем с венских классиков. Йозеф Гайдн, один из основоположников жанра симфонии, будучи на службе у князей Эстерхази, помимо управления хором, оркестром и постановкой опер, обязан был предоставлять знати "новую" музыку. И поэтому его перу принадлежат аж 104 (а по последним данным много больше) симфонии и около 83-х струнных квартетов. В симфониях Гайдна встречается много (извините за выражение))) приколов, любопытных приемов в инструментовке и даже оригинальных сценических решений. Гайдн также дал жизнь понятию "програмная симфония", о котором чуть позже.
Далее Вольфганг Амадей Моцарт, продолживший симфонические традиции Гайдна. Однако, симфонии Моцарта, особенно поздние (на мой взгляд), гораздо насыщеннее как оркестрово-инструментально, так и жанрово-драматически. Симфония из "развлекательного" продукта становится самостоятельным серьезным жанром.
Бетховен. Несмотря на то, что у Гайдна сто четыре симфонии, у Моцарта сорок одна, а у Бетховена всего девять - именно Бетховен для меня является первым гигантом мирового симфонизма. Моцартовский драматизм (которого я, кстати, так и не услышал ни разу) у него перерос в героико-трагические интонации, и это касается не только его симфоний, но и фортепианных сонат. Бетховен расширил длительность симфонии, - девятая идет час с лишним - впервые ввел в симфонический оркестр хор, впервые создал пятичастную симфонию (шестая, "пасторальная") и впервые применил такое понятие, как "монотематизм" - когда во всех частях симфонии проскальзывает, или принимает непосредственное участие в развитии материала одна и та же тема.
В период романтизма отмечаем Берлиоза с его развитием програмности, увеличением оркестра и увеличением временных рамок симфонии. Да и прочие композиторы продолжили вносить в симфонию и в оркестр что-то новое. Также хочется упомянуть, конечно, Мендельсона, Дворжака с его замечательными девятью симфониями, Сен-Санса (третья, с органом), Брамса и Шумана.
Поздний романтизм. Брукнер и Малер - очередные гиганты мирового симфонизма. У обоих по девять симфоний (о "проклятии девятой симфонии" расскажу в другой раз), если не считать ученических симфоний Брукнера и набросков десятой Малера. Вот здесь расширение симфонии, а также симфонического оркестра достигает своего апогея. Малеровский оркестр - гигантский, огромное количество инструментов, хор, солисты - восьмую даже назвали "симфония тысячи участников". Да и протяженность впечатляющая - до часа сорока минут, что, кстати, не сильно помогает восприятию; пока дослушаешь до финала, забываешь, что творилось в первых частях. Также упомяну Яна Сибелиуса, у которого тоже есть что послушать и поиграть.
В России симфония - это, конечно же, Чайковский, Рахманинов, Шостакович и Прокофьев. Менее часто звучат симфонии Римского-Корсакова, Калинникова, Гречанинова и Мясковского, что странно, ибо музыка их не менее прекрасна. Что творилось дальше, лично мне не очень интересно. После такого грандиозного пути развития и не менее грандиозного пика, симфония пошла обратно на сжатие. И в конце двадцатого и начале двадцать первого века, в плане временных рамок, симфония вернулась к изначальным двадцати-двадцати пяти минутам. Музыкальный язык сильно поменялся, и часовую авангардную симфонию не все бы выдержали (в первую очередь, музыканты-исполнители).

Вот.
Лично я думаю, что симфония и симфонический оркестр - лучшее, что придумало человечество за всю свою историю. Ведь, на момент пика своего расширения, в симфонию вставляли все, что душе автора угодно. От хора и солистов (как вокальных, так и инструментальных) до фортепиано, органа и кучи других самых разных инструментов, которые раньше никто в оркестре не думал увидеть и услышать. Массивные, мощные и монументальные отрывки сменяются очень тихими, камерными кусочками, несмотря на гигантский состав.

Честно признаюсь - я никогда не шел за тенденциями своего времени. Мне не нравится тот язык, который пропагандируют современные композиторы. Я считаю, что музыка должна быть понятной, как для слушателей, так и для исполнителей. Именно поэтому я пишу музыку в романтической и позднеромантической манере. И именно поэтому душа у меня лежит к большим позднеромантическим симфониям.

Я преклоняюсь перед жанром симфонии. И буду всеми силами стараться возродить эту некогда грандиозную и мощную махину, вернуть те времена мелодичного музыкального языка, массивных музыкальных форм и прекрасных образов.

Спасибо за прочтение, до новых встреч)))

Vk
Facebook
Splayn
Instagram

Мендельсон - третья, Шотландская...

Привет)))

Начну изложение своих мыслей с того как я вообще отношусь к оркестровой академической музыке (к классической - в частности).
Поскольку работаю я в симфоническом оркестре, то оркестровой музыки в моей жизни, понятное дело, много. И этому я благодарен работе в оркестре. К тому же довольно часто получается весьма достойно исполнить то или иное крупное оркестровое произведение (симфонию, концерт какого-либо инструмента с оркестром, и т. д.).
Вопреки распространенному мнению я не хожу по улице постоянно в костюме с бабочкой. В толпе академического музыканта может выделить разве что инструмент в футляре (и то не каждого - флейтисты, гобоисты и кларнетисты могут запросто положить разобранный на части инструмент в сумку или рюкзак и вообще ничем в толпе не выделяться). В концертной одежде можно увидеть либо тех музыкантов, которые не хотят переодеваться на работе, либо тех, кто опаздывает на халтуру - или, опять-таки не любит часто переодеваться.
Я люблю послушать академическую музыку. И периодически это делаю. Если большинство людей предпочитает воспринимать классику преимущественно на концертах, то я запросто слушаю Бетховена, Мендельсона, Сен-Санса, Дворжака, Чайковского и многих других в транспорте (в наушниках) или же дома. И получаю от этого большое удовольствие.

Но. Одно дело слушать, и совсем другое - исполнять. Особенно если перед исполнением еще неделю мусолили это произведение на репетициях. Тут многое зависит непосредственно от произведения (потому что, да, бывают в классике вещи, которые очень скучны даже для академистов) и от исполнителей. Когда музыка по душе, то время на репетиции пролетает незаметно. И по приходу домой (либо по пути домой) еще догоняешься этим произведением, прослушивая крутую запись какой-нибудь Берлинской или Чикагской филармонии. Одним из таких "заевших", в хорошем смысле, произведений стала для меня симфония №3 "Шотландская" Феликса Мендельсона-Бартольди.

Первое знакомство с этим произведением у меня произошло в конце сентября 2016-го. Тогда мы разучивали ее к приезду великолепного музыканта Алексей Огринчука. Он должен был дирижировать нашим оркестром третью Мендельсона, двадцать девятую Моцарта и играть концерт для гобоя с оркестром Беллини. И впечатлений была масса. Огринчук так руководил нами, что оркестр зазвучал в полную свою силу. Тогда меня даже не сильно огорчили два вызова на репетиции накануне концерта (обычно такого у нас не бывает), ибо музыка увлекла за собой. В общем, было круто.

Вторая моя встреча с "Шотландской" состоялась во время гастролей по Франции-Италии 2017. Я специально не упоминал о музыкальной составляющей тура, дабы сосредоточиться на впечатлениях от самой поездки. Это был заключительный концерт гастролей, в Сульмоне. Вечер целиком посвященный Мендельсону - увертюра "Гебриды" или Фингалова пещера, концерт для скрипки с оркестром и третья симфония. Конечно, под конец поездок играть тяжеловато. Но (обязательно послушайте симфонию до конца, тогда поймете меня), под тот величественный и счастливый финал этот концерт, да и все путешествие воспринялись совсем по-другому. Было ощущение чего-то большого и светлого, и доброго, но трудно-достижимого, с непростой борьбой. И вот, последние аккорды, и все, доиграли, дотянули, ПРОЖИЛИ ЭТУ МУЗЫКУ... Да, музыку надо не играть, не исполнять, ее надо ПРОЖИВАТЬ, ПЕРЕЖИВАТЬ, иначе никак. Иначе никакого смысла. Иначе работа в оркестре окончательно превратится в офис (итак работаем по пять дней в неделю в среднем).

И вот, третий раз я окунулся в эту музыку 25-го января этого года (2018). И ощущения были несколько другие, нежели раньше. В то время как некоторые оркестранты ворчали: "ну вот, опять... ну сколько можно...", я искренне обрадовался возможности снова поиргать, нет, извините, ПЕРЕЖИТЬ эту симфонию. И помогло еще то, что она уже довольно хорошо отложилась в памяти и руках оркестрантов, так что прозвучала она очень хорошо. Я, да и многие другие музыканты кайфанули на концерте. И это самое главное. Бывает такое, что на репетициях разучиваемая программа успевает выучиться, заболтаться и вообще, окончательно надоесть, но при всем при этом, на концерте открывается что-то совершенно новое (хотя, казалось бы, выучили от А до Я). И никак это не объяснить. Однако бывает такое.

Я не буду много писать о том, что я чувствую и представляю во время исполнения или прослушивания третьей Мендельсона. В конце концов музыка, как искусство, хороша тем, что каждый слышит в ней свое (теоретики со мной не согласятся, наверное). А значит, вместо того, чтобы кому-то что-то объяснять или доказывать, лучше просто послушать, проникнуться, ПЕРЕЖИТЬ - ведь, слушая, тоже необходимо вникать и ПРОЖИВАТЬ.

Итак, Мендельсон, симфония №3 "Шотландская" (рекомендую вторую аудиозапись, длительностью 42:31): слушать

Vk
Splayn
Facebook
Instagram

Return to Ommadawn

Сегодня (точнее, уже вчера) исполнился год с выхода крайнего альбома Майка Олдфилда Return to Ommadawn.

Майк - легенда английского прогрессив-арт-рока. Начал он свою сольную карьеру в 1973 году. Тогда вышел его первый альбом - Tubular Bells - который и открыл ему дорогу к славе и признанию. Но сегодня хочется рассказать сначала об альбоме Ommadawn (1975) и его продолжении Return to Ommadawn (2017).

Рассказывать буду свое личное мнение. Музыкой Олдфилда заслушивался с детства, вырос на ней. И эти два альбома занимают особое место в моем плеере. Музыка Ommadawn для меня носит характер северной сказки, холодного мира, угрюмого края. В голове возникает увлекательное повествование о путешествии, опасностях и подвигах.

Новый Return to Ommadawn стал более чем достойным продолжением этой истории, новой частью сказки. Лично я в нём холода уже не ощущал, тем не менее, музыка рисовала удивительные образы. В завершении альбома был замечательный хороший мажорный конец, будто долгая история с разными приключениями окончилась счастливо. 

В общем - слушайте))) В музыку Майка необходимо вслушиваться, порой одного прослушивания может не хватить для представления картины. Никого эти два альбома не оставят равнодушным. 

Приятного прослушивания )))

Российский сайт про Майка - http://mike-oldfield.ru/
Ommadawn и Return to Ommadawn слушать - https://music.yandex.ru/search?text=mike%20oldfield%20ommadawn

Мой Vk
Я на Splayn
Я в Facebook
И Instagram

Италия: Сульмона

На следующий день после прогулок по окрестностям нашего отеля и похода в Буньяру, мы приехали в Сульмону.

Население - около двадцати пяти тысяч человек. В двадцать пять раз больше, чем в Буньяре.
Сульмона ведет свою историю аж со времен Римской империи, то есть еще от "до н. э.". Правда, остатки древнеримских сооружений (кроме акведуков) мне увидеть не удалось. Зато покушал настоящую итальянскую пасту аж несколько раз.
Славится Сульмона своими шоколадными конфетками, которых мне посчастливилось попробовать. Особенно понравился миндаль в шоколаде.
Удивительно, но в городе с населением в двадцать пять тысяч человек есть оперный театр. причем, совсем не маленький, и размеры оркестровой ямы в нем совсем немного меньше, нежели у нас в Воронеже (с населением в миллион). Сам зал не очень большой, но красивый, в красных тонах. И, что удивило еще - сцена под наклоном. Потом объяснили, что это способствует акустике. Но первые ощущения, да и потом на концерте тоже было как-то странно - вроде стоишь нормально, а все равно чувство, будто медленно едешь влево (или вправо - был бы я скрипачом; о рассадке оркестра расскажу потом подробнее в следующих записях).
Между репетицией и концертом было немного времени побродить по городу. Пожалуй, уже не стоит говорить о том, как мне нравятся европейские города. Особенно их исторические центры. Донзак, например, довольно молодой город, там даже кафедральный собор выстроен из современного кирпича, а вот Сульмона и Ангулем, или та же Прага - тут сразу чувствуются прошедшие многие и многие века. Да что уж там, Википедия сообщает, что в Сульмоне в 43 году до н. э. (до н. э.!) родился древнеримский поэт Овидий. Да и вообще, город сам еще древнее - даже древнее самих римлян. Если интересно - вот тут про Сульмону можно почитать еще много интересного.
Лично я тут задержался бы очень надолго. Жить вот здесь, у подножия Аппенин, в городе, который старше самой Римской империи, бродить по оливковым рощам - вот где было бы истинное вдохновение...
Уезжали мы в дождь. Грустно, но сейчас уже известно, что через год (уже меньше), в ноябре, мы сюда вернемся с концертом и я снова восхищусь местными красотами. Что ж, осталось набраться терпения и ждать)))

Обратный путь в Россию мы держали через заснеженную горную Австрию, затем Чехия, отстой в Польше, таможня, Брест и еще примерно сутки до дома.

Этой записью я завершаю рассказ про наши гастроли с оркестром в Европу. Спасибо всем за внимание и до новых встреч)))

Vk
Facebook
Splayn
Instagram

Дорога - Италия / Италия: Буньяра

Лучше гор могут быть только горы...

Мы стартовали из Донзака примерно в десять утра по местному времени. И приехали в место последней дислокации тоже примерно в десять утра. Двадцать четыре часа без отстоя.

Ночью мы пересекли Альпы. Ночная горная Италия восхитительна. Видел даже берег моря в ночи. Далее были постоянные деревеньки в горных долинах, на отрогах - по разные стороны от дороги. Маленькие домики, в каждом горит огонек - кто-то спокойно сидит дома, а мы едем дальше...

Днём мы приехали в место роскошных пейзажей. Кругом то заснеженные Апеннины, то зелёные, покрытые лесом холмы. И везде - деревушки, домики. Дорога идёт вдоль гор, опоясывая их, будто лентой. Тут и там видны древнеримские акведуки.

Мы должны играть концерт в оперном театре города Сульмона. Но прежде хочется рассказать о деревеньке под названием Буньяра.

Располагается она в очень живописном месте. До Сульмоны примерно семь километров. Вообще, тут стоит потрясающая атмосфера. Если сравнивать с Донзаком, то тут, кажется, так же все тихо и спокойно, но ощущения совершенно другие. Горы, холмы, просторы - все это очень сильно влияет на сознание. Как сказала одна моя старая и хорошая подруга: "у этих людей здесь есть только горы, воздух, вино и любовь - и больше не надо для того, чтобы спокойно жить и заниматься творчеством..."

Мы отправились в Буньяру днём, было часа четыре после полудня, но солнце уже скрылось за холмами. Вообще, тут интересный климат - когда видно солнце, очень тепло и можно ходить в одной лишь футболке; стоит только солнцу уйти за облака или за холмы - сразу очень существенно понижается температура. Без куртки уже не обойтись.

Наш путь постоянно вел нас в гору. Вокруг были домики, деревья хурмы,́ целые оливковые рощи. И на зелёных равнинах прямо под ногами растет мята. Чем выше мы поднимались, тем живописнее становился вид. Проходя по пустынным улочкам Буньяры можно было подумать, что тут особо никто не живёт. Редкие проезжающие машины да лай собак из близлежащих домиков. Оказалось, что жизнь тут появляется после заката. Мы увидели местных "горных" жителей, вышедших на вечернюю прогулку, тинейджеров с пивом. Из некоторых открытых окон звучала приятная музыка и тихий (а, иногда и не очень) говор.

Мы облазили Буньяру практически полностью. Там есть храм с органом, полуразрушенный, но реконструируемый замок, очень узкие улочки, петляющие и виляющие между домов. Настолько узкие, что, порой, вдвоем рядом идти тесновато. Еще мы заметили довольно много обгорелых зданий - видимо был недавно (или относительно недавно) в Буньяре серьезный пожар.  Возвращались мы уже по сплошной темени, уставшие, но очень довольные прогулкой. И в отеле ждал нас вкуснейший итальянский ужин.

Эта запись, как и последующая, выложена гораздо позже, чем происходили события. Виной этому, пожалуй, прежде всего моя лень... Но я от нее очень стараюсь избавиться, так что ждите новых сообщений)))

До встречи)))